Sonia Delaunay: Geschäftsfrau und lebendes Kunstwerk
Eine moderne Geschäftsfrau mit klarer Strategie
Wenn Sie als Frau im frühen 20. Jahrhundert einen Künstler heiraten, ist Ihnen die eigene Kunst selten von Dauer. Aber wenn Sie praktisch, kommerziell und eigenvermarktend handeln, werden Sie vielleicht in Erinnerung bleiben.
Praxis vor Theorie
Einer der Hauptgründe, warum ich mich zu Sonia Delaunay hingezogen fühle, ist ihre Leidenschaft für Farben und ihre Liebe zum Kunsthandwerk. Aber auch ihre bewusste Selbstpositionierung als moderne Frau in den frühen Jahren ihrer Karriere fasziniert mich, trotz ihrer eher untergeordneten Rolle in der Karriere ihres Mannes Robert Delaunay. Delaunay manipulierte ihr Image sorgfältig, etwa fünfzig Jahre bevor Andy Warhol dasselbe tat. Sie war ihrer Zeit entsprungen, aber auch ihrer Zeit voraus. Sie verkörperte eine neue Form der Frau, entsprach aber auch der traditionellen Rolle der sittsamen Ehefrau oder schien zumindest so zu sein.
Sonia Delaunays angewandte Kunst weigerte sich, sich auf ein bestimmtes Medium festzulegen, und scheint vielmehr eine praktische Antwort auf ihre häusliche Situation zu sein. Mit der Zeit wurden ihre Textildesigns, Decken, Wohnaccessoires und Mode jedoch ebenso wichtig wie ihre bildende Kunst, wenn auch vielleicht kommerzieller. Für mich ist sie die ursprüngliche Modernistin. Obwohl sie in ihrem kommerziellen Ansatz nicht unmittelbar demokratisch war, verkörperte sie den Geist moderner Technologien und maschinengetriebener Produktion.
Als neue Frau auftreten
Während ihr Ehemann Robert Delaunay in den Anfangsjahren mit seiner Interpretation des Kubismus und seinem Streben nach Orphismus viel Aufmerksamkeit erregte, frage ich mich, inwiefern Sonia Delaunay es verabscheute, mit ihm und seinem Streben nach künstlerischer Perfektion auf der Leinwand zu konkurrieren. Robert starb relativ jung im Jahr 1941, während Sonia Delaunay bis 1979 lebte und ihre Karriere 60 Jahre umspannte. Sie widersetzte sich den gesellschaftlichen Zwängen der Zeit sowie der Bevormundung der amerikanischen Kunstkritik der 1950er-Jahre. Als die Tate Modern in London 2015 eine Retrospektive ihrer Arbeiten zeigte, war es eine erfrischende Abwechslung, ihre einzigartigen modernistischen Designs und Muster auf Gebrauchsgegenständen statt nur an der Wand hängend zu sehen.
In ihrer Präsentation über Sonia Delaunay und „Die Neue Frau“ spricht Dr. Sherry Buckberrough über das Konzept von zwei verschiedenen Frauentypen. Die eine war „die Neue Frau“, die Geschäftsfrau, die im Kontext ihrer Zeit durch und durch modern war. Die andere war eine traditionellere, aber exotischere Frau, die vom Orient mit all seinen Traditionen, Märchen und Volkskunst träumte. Diese Rolle gefiel ihrem damaligen Pariser Publikum, und Delaunay spielte sie gut, indem sie die beiden Frauentypen erfolgreich miteinander vermischte.
Die Darstellung der Frau im frühen 20. Jahrhundert: Von der Statik zur Bewegung
Die Moderne wurde zu der Bewegung, die einen großen Teil des 20. Jahrhunderts prägte. Beginnend mit dem Kubismus lehnte sie die traditionelle figurative Kunst zugunsten der Abstraktion ab. Spätere Künstler wie Paul Rand oder Le Corbusier betrachteten die Moderne als eine Technik, um eine funktionale Anforderung so klar und prägnant wie möglich zu erfüllen. Für Delaunay ermöglichte die einfache Verwendung von gegenübergestellten Farben und Geometrien es ihr, in ihrer Kunst eine Dynamik zu definieren, die das modernistische Zeitalter der Befreiung und Freiheit kontextualisierte, insbesondere wenn es um Frauen ging. Gleichzeitig war sie in der Lage, Kunst in ihrer reinsten abstrakten Form zu schaffen und dem modernistischen Ideal treu zu bleiben.
Dynamische Frauen und Muster
Vor dem 20. Jahrhundert waren Frauen aufgrund ihrer Kleidung, insbesondere in Bezug auf Mode, extrem eingeschränkt, was sogar ihre Bewegungsfreiheit einschränkte. Vom Hals bis zu den Knöcheln war alles bedeckt. In der paternalistischen Welt der Zeit waren sie in den meisten Situationen zweitrangig. Die Moderne stellte dieses Konzept vollständig in Frage, brach mit den alten Traditionen und entwickelte neue Denkweisen in allen Aspekten der Kreativität und Produktion. Frauen wurden entweiblicht, was damals ziemlich skandalös war, aber es war auch äußerst aufregend, befreit und frei von den früheren Beschränkungen der weiblichen Rolle zu sein. Es kamen Beine zum Vorschein, die Frisuren wurden gekürzt und das Konzept der Bewegung schlich sich in die Bilder ein. Das Auto symbolisierte sowohl die Freiheit als auch die Bewegung des Zeitalters, etwas, das Sonia in den späteren Phasen ihrer Karriere als Muse einbeziehen würde. Dabei ging es nicht nur um körperliche Bewegung, etwas, das wir in der Fotografie des frühen 20. Jahrhunderts sehen, sondern auch um die Formen und geometrischen Muster der getragenen Kleidung, die einen dynamischen Effekt erzeugten und eng mit den Theorien der Moderne verbunden waren.
Farbe als Bewegung
Aufgrund ihres Kunststudiums in Deutschland und Frankreich und ihrer Kindheit in Sankt Petersburg wusste Sonia Delaunay um die Macht der Farben. An der Académie de la Palette hatte sie die Werke des Chemikers Michel Eugène Chevreul aus dem 19. Jahrhundert studiert. Dort lernte sie, wie Primärfarben in Kombination mit Sekundärfarben die Illusion von Bewegung erzeugen können. In der modernen Welt des frühen 20. Jahrhunderts war dies der ideale Zeitpunkt, um diese Farbtheorien neu zu interpretieren. Diese wurden als Simultané (eine Untergruppe des Orphismus ) bekannt und sollten ihre gesamte Karriere prägen.
Sonia Delaunays frühe Modekonzepte entwickelten die Ideen rund um Simultané als Mittel, Frauen als neue, in der Gesellschaft aufsteigende Kraft darzustellen. Richtig eingesetzte Farben und Formen verliehen Persönlichkeit und Rhythmus, etwas, das bis dahin bei der Darstellung von Frauen gefehlt hatte. Diese Kunst hatte tatsächlich eine Musikalität, die Teil der frühen modernistischen Bewegung und insbesondere von Simultané war. Obwohl noch nicht ganz demokratisch , sprach sie in einem schicken, handwerklich-intellektuellen Sinn den neuen Geldgeschmack der Zeit an, der nach Dynamik suchte, gleichzeitig aber eine Nostalgie für die Vergangenheit bewahrte und sich zunehmend anderen exotischen Kulturen zuwandte.
Für ihre Pariser Kundinnen, die eine Vorliebe für Moderne, aber auch für Exotik hatten, war Sonia Delaunay die perfekte Wahl. Erstens war sie die Verkörperung der modernen Frau und hatte eine erfolgreiche unabhängige Karriere, was zehn Jahre zuvor noch undenkbar gewesen wäre. Zweitens brachte ihre frühe Kindheit in der Ukraine und in Russland eine exotische Kultur mit sich, die die Pariser Gesellschaft liebte. Diese Mischung aus Einflüssen durchdrang sowohl ihre Kunst als auch ihre Produktentwicklung.
Wie Sonia Delaunay ihre östliche Herkunft nutzte, um sich mit dem Anderen auseinanderzusetzen
Sonia Delaunay wurde 1885 als Sarah Stern in der Ukraine in eine relativ arme jüdische Familie geboren. Sonia war tief in der Tradition des Volkshandwerks verwurzelt und war diesem ausgesetzt. Dieses Handwerk ist in ihren Textilien und Modekonzepten neben ihren avantgardistischen abstrakten Designs stark vertreten.
Sonia Delaunay verfügte zudem über eine hervorragende Ausbildung in den bildenden Künsten, da sie einen Großteil ihrer Kindheit bei ihrer wohlhabenden Tante und ihrem Onkel in Sankt Petersburg verbracht hatte, die ihr Galerien und Museen in ganz Europa zeigten.
Hier kultivierte sie die reichhaltige soziale und kulturelle Bildung, die ihre Familie ihr anbot, und wurde noch stärker von der russischen Volkskunst, aber auch von der Kunst beeinflusst, die damals die westliche Kultur dominierte. Es war Sonias Liebe zu Gauguin und Van Gogh, die sie mit dem Konzept und der Macht der Farbe vertraut machte. Wir sehen dies in ihrem Stil, der vom Kubismus bis zur Abstraktion reicht und Farbe als treibende Kraft für Dynamik verwendet, was sehr zeittypisch war.
Als sie in Paris ankam, war sich Sonia Delaunay sofort des potenziellen Interesses ihres Publikums an ihrer russischen Herkunft bewusst. Sie spielte mit dem Konzept des Exotischen, um sich in der Pariser Kunstszene einen Namen zu machen, während sie gleichzeitig ihre Theorien über Farben verbreitete, wie wir im Gemälde unten sehen können.
Nu Jaune
In Nu Jaune (Gelber Akt) von 1908 spielen Delaunays mit der Tradition des männlichen Blicks anhand der Figur einer verlassenen Prostituierten, einem in der Malerei des 19. Jahrhunderts oft überstrapazierten Motiv. Tatsächlich erinnert dieses Gemälde an Manets Olympia oder Matisses Blauer Akt, Andenken an Biskra (1907) , Künstler, die Delaunay studiert und bewundert haben dürfte. Trotz des melancholischen Tons dieses figurativen Gemäldes ist auch eine Trotzreaktion mit der abstrakten Dynamik zu erkennen, die durch die gezackten, kontrastierenden Farben Orange, Grün und blaugrüner geometrischer Formen, die sich hinter das Motiv schieben, unterstützt wird. Es ist jedoch die Simultané -Technik, die das Bild mit dem gelben und türkisfarbenen Hautton und den geometrischen orange- und blaugrünen abstrakten Formen hinter der Figur auf eine andere Ebene hebt. Es ist ein defensives Gemälde, bei dem der rechte Arm des Modells als Barriere über ihren Körper gelehnt ist. Das maskenhafte Gesicht der Figur und die schwarzen Umrisse um alle Aspekte des Gemäldes deuten auf eine primitivistische Technik hin, vielleicht eine Anspielung auf das Exotische, das Gauguin verwendete, obwohl ich nicht sicher bin, ob es als Satire oder zur Förderung ihres eigenen exotischen Hintergrunds gedacht war. Mehr zu diesem Konzept können Sie in der Abschlussarbeit von 2019, Subverting Orientalism and Primitivism? von Laura Ryan, lesen.
Die moderne Frau
Während ihres Aufenthalts in Paris heiratete sie 1908 nicht aus Liebe, sondern um sich ein Einkommen von ihrer Familie zu sichern. 1910 lernte sie jedoch Robert Delaunay kennen, und 1911 bekam sie einen Sohn namens Charles. Für Charles begann sie, von der Volkskunst inspirierte Gegenstände zu kreieren, beispielsweise einen Bezug für seine Steppdecke. Dazu nähte sie Stoffstücke auf praktische Weise zusammen und bildete so die geometrischen Formen, für die sie bekannt wurde.
Sonia und Robert waren das Power-Paar ihrer Zeit und lebten von den Mieteinnahmen aus den Immobilien ihrer Tante in St. Petersburg, nachdem diese gestorben war. In Paris veranstalteten sie Salons für Zeitgenossen wie Kandinsky, Apollinaire und Chagall. Robert war ein Pionier der Abstraktion und gemeinsam entwickelten sie diese Konzepte, wobei Sonia immer auf ihren ukrainischen und russischen Wurzeln beharrte.
Le Bal Bullier
Dieses 1913 geschaffene Gemälde ist ein wunderbares Beispiel für die Simultané - Technik, die von Sonia und Robert Delaunay entwickelt wurde. Es zeigt Tänzer im Pariser Tanzlokal Le Bal Bullier , das Sonia und Robert häufig besuchten. Auf einer Breite von fast 3,35 Metern sind die Tänzer in abstrakter geometrischer Form unter künstlichem Licht ausgebreitet, das sich vertikal auf die Tanzfläche bricht und zu einem explodierenden Prisma aus kontrastierenden Primär- und Sekundärfarben wird. Der Effekt besteht darin, Bewegung und Energie in den Tänzern zu erzeugen, die in verschiedene Farben aufgeteilt sind und dann vor einem Hintergrund positioniert sind, der ebenfalls in verschiedene geometrisch geformte Farbkontraste aufgeteilt ist. Der Effekt ist für den Betrachter faszinierend und zwingt ihn, sich intensiv auf das Gemälde zu konzentrieren, um die Schlüsselelemente zu erfassen und seine eigenen individuellen Bewegungen basierend auf den ausgewählten Farbkontrasten aufzunehmen. Vielleicht ebenso wichtig ist hier das Thema dieses Gemäldes und was es im Hinblick auf das moderne Stadtleben im frühen 20. Jahrhundert darstellt. Die Zwänge und Formalitäten der früheren Generation werden beiseite geschoben und Frauen können sich wieder ohne gesellschaftliche Zwänge vergnügen und sich in einem modernen Rhythmus über die Tanzfläche bewegen. Tatsächlich tanzen die beiden zentralen Figuren des Gemäldes vielleicht Tango, einen argentinischen Tanz, der damals in den Tanzlokalen des städtischen Paris beliebt war.
Das Paar blieb vom Ersten Weltkrieg relativ unberührt und zog nach Spanien, wo sie ihre erste Boutique, Casa Sonia, eröffnete. Anschließend reiste das Paar nach Portugal, wo Sonia in die dort lebendigen Volkskunsttraditionen eintauchte und ihre Handarbeiten sowie einige Leinwände entwickelte, während Robert seine bildenden Künste entwickelte. Im wahren modernistischen Sinne gab es keinen Grund, warum bildende Kunst nur auf die Leinwand beschränkt sein sollte, und so waren in ihren Augen sowohl das Medium der bildenden Kunst als auch das der angewandten Kunst gleichermaßen gültig.
Das Jahr 1917 und die Ereignisse der Russischen Revolution hatten tiefgreifende Auswirkungen auf den Verlauf von Sonia Delaunays Karriere. Als eine Welle russischer Emigranten nach Paris und andere europäische Städte strömte, erlebte die russische Volkskunst eine Renaissance. Das Ende ihrer Mieteinnahmen bedeutete, dass ihr kreatives Leben kommerzieller werden musste. Durch Kontakte, die sie in Spanien mit dem Ballettimpresario Sergei Diaghilev geknüpft hatte, konnte Sonia Kostüme für die Ballets Russes entwerfen und von dort aus katapultierte sie ihre Karriere in eine Reihe von Luxusstudios, insbesondere zu ihrer Modemarke Sonia in Paris, wo ihre modernistische und exotische Ästhetik des östlichen Stils äußerst beliebt war.
Simultanes Kleid von Sonia Delaunay
1913 entwarf Sonia Delaunay für den Bal Bullier farbenfrohe Outfits für sich und ihren Mann, die sie in dem berüchtigten Tanzsaal in Montparnasse in Paris tragen sollten. Sie schnitt die Teile selbst aus und nähte sie zu einem Patchwork aus kontrastierenden Farben und Formen zusammen. Als sie an diesem Abend Tango tanzte, wurde sie zu einem lebenden Kunstwerk. Das Kleid bildete die Silhouette des natürlichen Körpers ab und die verschiedenen gestickten Muster mit den zahlreichen Farbbögen erweckten den Eindruck von Bewegung.
Das Kleid war ein Simultané - Experiment , das sie mit ihrem Mann entwickelte. Es war kein Kleid, das man als Alltagskleidung tragen konnte, sondern eher als Kostüm. Die Idee, sich zu verkleiden und Kostüme anzuziehen, war etwas, das Sonia Delaunay schon immer faszinierte, wie wir an ihrer Zusammenarbeit mit Diaghliev für die Ballets Russes sehen konnten. Die Idee von Frauen in der Performancekunst war geboren.
Das Kleid hatte große Ähnlichkeit mit der Steppdecke, die sie 1911 für ihren Sohn Charles angefertigt hatte. Beide basierten auf Formen und Stoffen aus ihrer Erinnerung an ihre eigene frühe Kindheit in der Ukraine und Russland, wo sie mit Handarbeiten und Volkskunst vertraut gewesen sein dürfte.
Das Simultaneous Dress von Sonia Delaunay markiert einen Wendepunkt, sowohl in Bezug auf ihre Karriere als auch in Bezug auf die Darstellung von Frauen. Es markiert den Punkt, an dem Sonia möglicherweise vor der Forderung ihres Mannes kapitulierte, Kleider und keine Leinwände zu entwerfen, aber damit eine neue Welt der Mode eröffnete, in der Sonia leben und ihre eigene gestalten konnte. Es markiert auch einen Punkt, an dem Frauen sich ihrer Sinnlichkeit bewusst werden und sie feiern konnten. Die verschiedenen Stoffe des Kleides luden andere dazu ein, es zu berühren und zu untersuchen. In ihrem Artikel mit dem Titel „Sie hat einen Körper auf ihrem Kleid“: Sonia Delaunay-Terks erstes Simultaneous Dress , 1913, geht Ann Albritton so weit zu sagen, dass das Biberfell, mit dem sie den Kragenbesatz und den Saum des Kleides auskleidete, an den Slang für Vagina erinnern könnte, so suggestiv und subversiv war die Verwendung der verschiedenen Stoffe und Farben dieses Kleides zu dieser Zeit.
Zwischenkriegsjahre
Zurück in Paris und insbesondere während der Exposition internationale des Arts décoratifs et industriels modernes 1925 gelang es Delaunay, ihre Anziehungskraft von Paris auf die USA auszudehnen. In den USA war das Konzept des modernen dekorativen Designs bis dahin noch nicht angekommen. Delaunays Textildesigns erfreuten sich beim amerikanischen Publikum großer Beliebtheit und konnten nun dank moderner industrieller Produktionsmethoden in großen Mengen verkauft werden. Anstatt ihre östlichen Einflüsse zu fördern, war Sonia klug genug, bei ihrem neuen amerikanischen Publikum ihren Status als Pariserin zu fördern.
Vom Handwerk zur Maschine
In den 1930er Jahren war die Moderne ziemlich ausgereift. Neue Technologien waren aufgekommen, die Massenproduktion ermöglichten und es den Künstlern erlaubten, neue Materialien in ihre Arbeit zu integrieren. Während Sonia Delaunays Karriere bis dahin hauptsächlich handwerklich geprägt war und hauptsächlich eine reiche Kundschaft bediente, konnte sie ihre Designs nun einem demokratischeren Anspruch unterziehen, indem sie neue technologische Prozesse nutzte, um ihre Designs in Massen zu schaffen. Die geometrischen Formen und Farben, mit denen sie in ihrer früheren Karriere experimentiert hatte, nahmen kreisförmigere Formen an und ahmten die Rolle der technologischen Maschinen nach, die die Landschaft beherrschten. Wir sehen immer noch das Simultané in den kreisförmigen Designs , bei denen die Farben Halbkreise einnehmen, oft entlang einer diagonalen Linie.
Delaunays Karriere explodierte. 1926 erschien sie auf dem Cover der Vogue, auf einem Gemälde, das ein Kleid mit geometrischen Mustern zeigt, neben dem ein typisches modernes Auto steht, das eindrucksvoll mit ihren geometrischen Mustern bemalt ist.
Auswirkungen des Zweiten Weltkriegs
Einer der Aspekte ihres Lebens, den Sonia Delaunay nicht preisgeben wollte, war ihre jüdische Herkunft. Dies war besonders wichtig, als Nazideutschland 1940 in Frankreich einmarschierte und das Paar mit ihrem Sohn Charles nach Vichy-Frankreich floh. Zu dieser Zeit ging es Robert nicht gut und er litt an Krebs. Die ständige Aufregung war zu viel für ihn und er starb 1941.
Delaunays Wiederaufleben
Nachdem ihr Mann 1941 an Krebs gestorben war, war Sonia Delaunay so am Boden zerstört, dass sie weitere zehn Jahre nicht malte. Nach und nach widmete sie sich wieder ihrer Kunst und bemalte 1967, im Alter von 82 Jahren, einen Matra 530. Die fortgesetzte Verwendung von kühnen geometrischen Formen passte perfekt zur modernistischen Bewegung der 1960er Jahre.
Es ist bedauerlich, dass ihr Vermächtnis als unabhängige Künstlerin Mitte des Jahrhunderts von ihrem Ehemann überschattet wurde. Ihre Fähigkeiten als Künstlerin, Textil- und Modedesignerin hatte sie sich zu Beginn des Modernismus zu Beginn des Jahrhunderts selbst erarbeitet. 1964 wurde sie jedoch vom Louvre anerkannt, der eine Retrospektive ihrer Arbeiten veranstaltete, die erste einer lebenden Künstlerin überhaupt. 2015 veranstaltete die Tate Modern eine Ausstellung über ihre 60-jährige Karriere, in der ihre Gemälde, Textilien und Kleider gezeigt wurden.
Sonia Delaunays Karriere begann zu Beginn des 20. Jahrhunderts und prägte das Zeitalter der emanzipierten modernen Frau. Mit ihren russischen und ukrainischen Einflüssen entwickelte sie das Kunsthandwerk und hielt wie Alexander Girard die Traditionen der Volkskunst am Leben, sei es bei der Gestaltung von Wohndekor, Kleidung oder Theaterkostümen auf der Grundlage exotischer orientalischer Themen, wenn auch aus anderen Gründen. Sie war eine äußerst erfolgreiche Geschäftsfrau mit der Fähigkeit, ihr Image als lebendiges Kunstwerk zu kontrollieren, das mit Andy Warhol vergleichbar wäre. Sie entwarf Stoffe und Textilien für gehobene Kaufhäuser wie Metz & Co. und Liberty. Während ihrer gesamten Karriere setzte sie ihre Erforschung von Farbe und Bewegung sowie ihre geometrischen Formen fort. Ihre Produkte beeinflussen uns heute nicht nur als Teil der breiteren modernistischen Bewegung, sondern auch durch die Tatsache, dass angewandte Kunst genauso respektiert werden kann wie bildende Kunst. Das haben wir Sonia Delaunay zu verdanken.
Zusätzliche Ressourcen
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Profil | Sonia Delaunay: Königin der Farbe und des Abstrakten
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Sonia Delaunay – Flugzeuge, Drucke und Automobile von Phaiden.com