Sonia Delaunay: empresaria y obra de arte viviente

Una empresaria moderna con una estrategia clara

Cuando una mujer se casa con un artista a principios del siglo XX, su destino rara vez es el de la longevidad gracias a su propio arte. Pero si se vuelve práctica, comercial y autopromocional, es posible que la recuerden.

Lo práctico sobre lo teórico

Una de las principales razones por las que me siento atraída por Sonia Delaunay es su pasión por el color y su amor por lo artesanal. Pero también me atrae su deliberado posicionamiento como mujer moderna en los primeros años de su carrera, a pesar de su papel algo secundario en la carrera de su marido, Robert Delaunay. Delaunay tuvo cuidado de manipular su imagen unos cincuenta años antes de que Andy Warhol hiciera lo mismo. Ella era de su tiempo, pero también se adelantó a su tiempo. Encarnó una nueva forma de mujer, pero también se conformó, o al menos pareció conformarse, al papel tradicional de la esposa recatada.

Al negarse a permanecer dentro de un único medio, el arte aplicado de Sonia Delaunay parece una respuesta práctica a su situación doméstica. Sin embargo, con el tiempo, sus diseños textiles, mantas, decoración del hogar y moda se volvieron tan válidos como sus bellas artes, aunque, tal vez, más comerciales. Para mí, ella es la modernista original. Si bien no fue inmediatamente democrática en su enfoque comercial, pasó a encarnar el espíritu de las tecnologías modernas y la producción impulsada por máquinas.

Emergiendo como la nueva mujer

Mientras que su marido, Robert Delaunay, atrajo mucha atención en los primeros años con su interpretación del cubismo y su búsqueda del orfismo , me pregunto hasta qué punto Sonia Delaunay se vio apartada de la apariencia de competir con él y su propia búsqueda de la perfección artística en el lienzo. Robert murió relativamente joven en 1941, mientras que Sonia Delaunay vivió hasta 1979 en una carrera que duró 60 años. Desafió las restricciones sociales de la época, así como el paternalismo de la crítica de arte estadounidense de los años 50. Cuando en 2015 la Tate Modern de Londres realizó una retrospectiva de su obra, fue un soplo de aire fresco ver sus diseños y patrones modernistas únicos apareciendo en artículos prácticos en lugar de simplemente colgados en la pared.

En su presentación sobre Sonia Delaunay y "La nueva mujer", la Dra. Sherry Buckberrough habla sobre el concepto de ella como dos tipos diferentes de mujeres. Una era "La nueva mujer", la empresaria que era completamente moderna en el contexto de su tiempo. La otra era una mujer más tradicional, pero exótica, que soñaba con Oriente con todas sus tradiciones, cuentos de hadas y arte popular. Este era un personaje que atraía a su público parisino en ese momento y Delaunay lo interpretó bien, mezclando con éxito los dos tipos de mujer para que se adaptaran.

La representación de la mujer a principios del siglo XX: de lo estático al movimiento

El modernismo se convirtió en el movimiento que definió gran parte del siglo XX. Empezando por el cubismo, rechazó el arte figurativo tradicional en favor de la abstracción. Artistas posteriores como Paul Rand o Le Corbusier tomarían el modernismo como una técnica para satisfacer una necesidad funcional, de la forma más clara y sucinta posible. Para Delaunay, el simple uso de colores y geometrías yuxtapuestas le permitió definir un dinamismo en su arte que contextualizaba la era modernista de liberación y libertad, particularmente en lo que respecta a las mujeres. Al mismo tiempo, fue capaz de crear arte en su forma abstracta más pura y fiel al ideal modernista.

Mujeres y patrones dinámicos

Antes del siglo XX, sobre todo en el ámbito de la moda, las mujeres se veían muy limitadas, hasta el punto de limitar sus movimientos, debido a su vestimenta. Todo estaba cubierto desde el cuello hasta los tobillos. En el mundo paternalista de la época, eran secundarias en la mayoría de las situaciones. El modernismo desafió este concepto por completo, rompiendo con las viejas tradiciones y desarrollando nuevas formas de pensar en todos los aspectos de la creatividad y la producción. Las mujeres se desfeminizaron, algo bastante escandaloso en aquella época, pero también muy emocionante por liberarse y liberarse de las restricciones previas del papel femenino. Aparecieron las piernas, se acortaron los peinados y el concepto de movimiento se coló en la imagen. El automóvil simbolizaba tanto la libertad como el movimiento de la época, algo que Sonia incorporaría como musa en las últimas etapas de su carrera. No se trataba solo del movimiento físico, algo que vemos en la fotografía de principios del siglo XX, sino también en las formas y patrones geométricos de la ropa que se usaba, que creaban un efecto dinámico y estaban estrechamente vinculados a las teorías modernistas.

El color como movimiento

Sonia Delaunay comprendió el poder del color gracias a sus estudios de bellas artes en Alemania y Francia, así como a su infancia en San Petersburgo. Había estudiado en la Académie de la Palette las obras del químico del siglo XIX Michel Eugène Chevreul , que le enseñaron cómo los colores primarios, al yuxtaponerse con los secundarios, podían crear la ilusión de movimiento. En el mundo moderno de principios del siglo XX, este sería el momento ideal para reinterpretar estas teorías en torno al color, que se conocerían como Simultaneidad (un subconjunto del orfismo ), algo que dominaría toda su carrera.

Los primeros conceptos de moda de Sonia Delaunay desarrollaron las ideas en torno a Simultané como un medio para proyectar a las mujeres como una nueva fuerza que avanzaba en la sociedad. El color, cuando se utilizaba correctamente, así como la forma, proporcionaba personalidad y ritmo, algo que había faltado en la representación de las mujeres hasta entonces. Había, de hecho, una musicalidad en este arte, que formaba parte del movimiento modernista temprano y particularmente en Simultané . Si bien todavía no era completamente democrático, atraía en un sentido intelectual artesanal elegante a los nuevos gustos adinerados de la época que buscaban dinamismo, al tiempo que mantenían una nostalgia por el pasado y miraban cada vez más hacia otras culturas exóticas.

Para sus clientas parisinas, que tenían gusto por lo moderno pero también por lo exótico, Sonia Delaunay estaba en la posición perfecta para ello. En primer lugar, era la personificación de la mujer moderna, con una exitosa carrera independiente, algo que habría sido inaudito diez años antes. En segundo lugar, su infancia en Ucrania y Rusia trajo consigo una cultura exótica que la sociedad parisina adoraba. Esta mezcla de influencias influyó tanto en su arte como en el desarrollo de sus productos.

Cómo Sonia Delaunay utilizó su origen oriental para interactuar con el Otro

Sonia Delaunay nació con el nombre de Sarah Stern en Ucrania en 1885, en el seno de una familia judía relativamente pobre. Sonia, que estaba imbuida de las tradiciones de la artesanía popular, estuvo expuesta a ellas y es algo que está muy presente en sus conceptos textiles y de moda, junto con sus diseños abstractos de vanguardia.

Sonia Delaunay también tenía una alta formación en artes visuales, habiendo pasado gran parte de su infancia viviendo con sus tíos adinerados en San Petersburgo, quienes la llevaban a recorrer galerías y museos por toda Europa.

Allí cultivó la rica educación social y cultural que le proporcionaba la familia, influida aún más por el arte popular ruso, pero también por el arte que dominaba la cultura occidental de la época. Fue el amor de Sonia por Gauguin y Van Gogh lo que le introdujo en el concepto y el poder del color. Esto lo vemos en su estilo, que va del cubismo a la abstracción, utilizando el color como fuerza motriz del dinamismo, muy propio de su época.

Una vez en París, Sonia Delaunay se percató inmediatamente del interés que su origen ruso podía despertar en su público. Jugó con el concepto de lo exótico para hacerse un nombre en la escena artística parisina, al tiempo que promovía sus teorías en torno al color, como podemos ver en el cuadro que aparece a continuación.

Nu amarillo

En Nu Jaune (Desnudo amarillo) de 1908 vemos a Delaunay jugando con la tradición de la mirada masculina con la figura de una prostituta desamparada, un tema a menudo sobreutilizado en la pintura del siglo XIX. De hecho, esta pintura parece sugerir la Olimpia de Manet o el Desnudo azul, recuerdo de Biskra (1907) de Matisse , artistas que Delaunay habría estudiado y admirado. A pesar del tono melancólico de esta pintura figurativa, también hay un desafío con el dinamismo abstracto en juego, ayudado por los colores contrastantes irregulares de formas geométricas naranjas, verdes y verde azulado que cortan detrás del sujeto. Sin embargo, es la técnica Simultane aquí la que lo lleva a otro nivel, con el tono de piel amarillo y turquesa y las formas abstractas geométricas naranjas y verde azulado detrás de la figura. Es una pintura defensiva, con el brazo derecho de la modelo inclinado sobre su cuerpo como barrera. El rostro de la figura, que parece una máscara, y el contorno negro que rodea todos los aspectos de la pintura sugieren una técnica primitivista , tal vez una referencia al exotismo utilizado por Gauguin, aunque no estoy segura de si se trata de una sátira o de una promoción de su propio origen exótico . Puedes leer más sobre este concepto en la tesis de 2019, ¿Subvirtiendo el orientalismo y el primitivismo? de Laura Ryan.

La mujer moderna

Mientras estaba en París, en 1908, se casó para asegurar un ingreso de su familia, más que por amor, pero en 1910 conoció a Robert Delaunay , dando a luz a un hijo Charles en 1911. Fue para Charles que comenzó a crear artículos inspirados en la artesanía popular, como una funda para su edredón, cosiendo piezas de tela de una manera práctica, que formarían las formas geométricas por las que se hizo conocida.

Sonia y Robert eran la pareja más poderosa de su época y vivían de los ingresos que obtenían del alquiler de las propiedades que la tía de ella tenía en San Petersburgo después de que ella falleciera. En París, organizaban salones para contemporáneos como Kandinsky, Apollinaire y Chagall. Robert fue un pionero de la abstracción y juntos desarrollaron estos conceptos, mientras que Sonia siempre mantuvo un punto de apoyo en su origen ucraniano y ruso.

El Bal Bullier

Creada en 1913, esta pintura es un maravilloso ejemplo de la técnica Simultaneada ideada por Sonia y Robert Delaunay. Representa a los bailarines del salón de baile Le Bal Bullier de París, que Sonia y Robert frecuentaban. Con casi 3,3 metros de ancho, los bailarines están esparcidos en un formato geométrico abstracto bajo luces artificiales que se refractan verticalmente hacia abajo sobre la pista de baile en un prisma explosivo de colores primarios y secundarios contrastantes. El efecto es crear movimiento y energía en los bailarines, que se dividen en diferentes colores y luego se colocan contra un fondo que también se divide en diferentes contrastes de color con formas geométricas. El efecto es hipnótico para el espectador y lo obliga a concentrarse profundamente en la pintura para captar los elementos clave y asimilar sus propios movimientos individuales en función de los contrastes de color seleccionados. Quizás sea igualmente importante mencionar aquí el tema de esta pintura y lo que representa en términos de la vida urbana moderna a principios del siglo XX. Las restricciones y formalidades de la generación anterior se dejan de lado y, una vez más, las mujeres pueden disfrutar sin restricciones sociales, moviéndose por la pista de baile a un ritmo moderno. De hecho, las dos figuras centrales del cuadro tal vez estén bailando tango, un baile argentino que era popular en los salones de baile del París urbano en esa época.

La Primera Guerra Mundial no afectó demasiado a la pareja, que se trasladó a España, donde ella abrió su primera boutique, Casa Sonia. Después, la pareja se fue a Portugal, donde Sonia se sumergió en las tradiciones del arte popular que allí se practicaban, desarrollando su labor de costura y algunos lienzos, mientras que Robert desarrollaba sus artes visuales. En el verdadero sentido modernista, no había ninguna razón por la que las bellas artes debieran limitarse únicamente al lienzo, por lo que tanto el medio de las artes visuales como el del arte aplicado eran igualmente válidos para ellos.

A medida que nos acercamos a 1917 y los acontecimientos de la Revolución rusa, esto tuvo un profundo efecto en la dirección de la carrera de Sonia Delaunay. Con una oleada de emigrados rusos que inundaban París y otras ciudades europeas, el arte popular ruso comenzó a resurgir. El fin de sus ingresos por alquiler significó que su vida creativa necesitaba volverse más comercial. Con contactos establecidos en España con el empresario de ballet Sergei Diaghilev , Sonia pudo crear diseños de vestuario para los Ballets Russes y desde allí su carrera despegó hacia una serie de estudios de marcas de lujo, en particular su marca de moda Sonia en París, donde su estética modernista y de estilo exótico oriental fue extremadamente popular.

Vestido simultáneo de Sonia Delaunay

En 1913, para el Bal Bullier, Sonia Delaunay creó para ella y su marido trajes de colores brillantes para que los usaran en el famoso salón de baile de Montparnasse, en París. Ella misma cortó las piezas y las cosió formando un mosaico de colores y formas contrastantes. Mientras bailaba el tango esa noche, se convirtió en una obra de arte viviente. El vestido proporcionaba una silueta del cuerpo natural y los diferentes patrones de costura, con los múltiples arcos de color, daban la impresión de movimiento.

El vestido fue un experimento de Simultane que desarrolló con su marido. No era un vestido para usar como ropa de día, sino más bien como disfraz. La idea de disfrazarse y vestirse era algo que siempre fascinó a Sonia Delaunay, como vimos en su colaboración con Diaghliev para los Ballets Rusos . Había nacido la idea de la mujer en el arte escénico.

El vestido era bastante similar a la colcha que había creado para su hijo, Charles, en 1911, ambos inspirados en las formas y telas que ella recordaba de su propia infancia en Ucrania y Rusia, donde habría estado al tanto de las prácticas de costura y arte popular.

El vestido simultáneo de Sonia Delaunay es un punto de inflexión, tanto en términos de su carrera como en la representación de las mujeres. Marca el punto en el que, tal vez, Sonia capituló ante la insistencia de su marido de que diseñara vestidos, no lienzos, pero al hacerlo abrió un nuevo mundo de moda en el que Sonia podía habitar y hacer suyo. También marca un punto en el que las mujeres podían tomar conciencia de su sensualidad y celebrarla. Los diferentes tejidos del vestido invitaban a otros a tocarlo y examinarlo. En su artículo titulado "She Has a Body on Her Dress": Sonia Delaunay-Terk's First Simultaneous Dress , 1913, Ann Albritton llega a decir que la piel de castor con la que recubrió el borde del cuello y el dobladillo del vestido podría sugerir la jerga de la vagina, tal era la sugestión y subversión en el uso de diferentes tejidos y colores de este vestido en esa época.

Años de entreguerras

Fue en París, y en particular durante la Exposición Internacional de Artes Decorativas e Industriales Modernas de 1925, donde Delaunay pudo ampliar su atractivo desde París a los Estados Unidos. Hasta ese momento, este país no había adoptado el concepto de diseño decorativo moderno. Los diseños textiles de Delaunay eran enormemente populares entre el público estadounidense y ahora podían venderse en grandes cantidades utilizando los métodos de producción industrial modernos. En lugar de promover sus influencias orientales, cuando se trataba de su nuevo público estadounidense, Sonia hizo bien en promover su estatus parisino.

De lo artesanal a la máquina

En la década de 1930, el modernismo había alcanzado una madurez considerable. Habían surgido nuevas tecnologías que permitían la producción en masa y que los artistas pudieran incorporar nuevos materiales a sus obras. Si bien la carrera de Sonia Delaunay hasta ese momento había sido principalmente artesanal y se dirigía principalmente a una clientela adinerada, ahora podía abrir sus diseños a un atractivo más democrático, utilizando nuevos procesos tecnológicos para crear sus diseños en masa. Las formas geométricas y los colores con los que había experimentado en su carrera anterior se transformaron en formas más circulares, imitando el papel de la maquinaria tecnológica que dominaba el paisaje. Todavía vemos el Simultané en los diseños circulares con colores que ocupan semicírculos, a menudo a lo largo de una línea diagonal.

La carrera de Delaunay despegó. En 1926, apareció en la portada de Vogue, en un cuadro que mostraba un vestido con estampados geométricos, de pie junto al automóvil moderno por excelencia, pintado de forma impresionante con sus patrones geométricos.

El impacto de la Segunda Guerra Mundial

Uno de los aspectos de la vida de Sonia Delaunay que decidió no compartir fue su origen judío. Esto fue especialmente importante cuando la Alemania nazi invadió Francia en 1940 y la pareja, con su hijo Charles, huyó a la Francia de Vichy. En ese momento, Robert no se encontraba bien y sufría de cáncer. La agitación constante fue demasiado para él y murió en 1941.

El renacimiento de Delaunay

Tras la muerte de su marido a causa de un cáncer en 1941, Sonia Delaunay quedó tan desolada que no volvió a pintar durante diez años. Poco a poco volvió a su arte y en 1967, a los 82 años, pintó un Matra 530. El uso continuado de formas geométricas audaces encajaba perfectamente en el movimiento modernista de los años 60.

Es una lástima que, a mediados de siglo, su legado como artista independiente se viera eclipsado por su marido. Sus habilidades como artista, diseñadora textil y de moda eran algo que ella misma había forjado en los albores del mundo modernista que comenzó a principios de siglo. Sin embargo, en 1964 recibió su reconocimiento por parte del Louvre, que organizó una retrospectiva de su obra, la primera de una artista viva. En 2015, la Tate Modern celebró una exposición de sus 60 años de carrera, en la que se mostraban sus pinturas, textiles y ropa.

La carrera de Sonia Delaunay comenzó a principios del siglo XX y definió la era de la mujer moderna liberada. Con sus influencias rusas y ucranianas, desarrolló la artesanía y, al igual que Alexander Girard , mantuvo vivas las tradiciones del arte popular, ya fuera creando decoración para el hogar, ropa o vestuario teatral basado en temas exóticos orientales, aunque por diferentes motivos. Una empresaria de gran éxito por derecho propio, con la capacidad de controlar su imagen como una obra de arte viviente, que podría compararse con Andy Warhol. Continuó diseñando telas y textiles para grandes almacenes de lujo como Metz & Co. y Liberty. A lo largo de su carrera continuó su exploración del color y el movimiento, así como sus formas geométricas. Sus productos nos influyen hoy en día, no solo como parte del movimiento modernista más amplio, sino por el hecho de que las artes aplicadas pueden ser tan respetadas como las bellas artes. Tenemos que agradecerle eso a Sonia Delaunay.

Recursos adicionales

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